miércoles, 9 de febrero de 2022

Arte Barroco

En la actualidad, el arte barroco se considera una de las mayores declaraciones artísticas que abarcaba diversos movimientos, tanto el político y religioso como el social. Como la gran mayoría sabrá el arte barroco es una continuación de un movimiento artístico denominado manierismo italiano que abarca hasta la mitad del siglo XVI.

Características del Arte Barroco

Representación de sentimientos y emociones más que por la mera imitación de la realidad que rodeaba a los artistas de la época.
Las obras en el arte barroco incluyen temáticas religiosas que habían sido dejadas de lado por el Renacimiento y buscan representarlas de manera altamente expresiva.
Tienen un fuerte sentido del movimiento, la energía y la tensión.
Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos de muchos cuadros, esculturas y obras arquitectónicas.
Una intensa espiritualidad que aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas.
La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas; tanto en el renacimiento como en el barroco, los pintores pretendieron siempre en sus obras la representación correcta del espacio y la perspectiva.
El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada, con su personalidad propia.
Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes.
La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental.
Los edificios solían construirse con materiales pobres pero resaltando la majestuosidad y la monumentalidad de la obra.

La Escultura Barroca

La escultura en el periodo barroco toma una gran importancia decorativa, esa importancia se debe al gran dinamismo y movimiento que sufre. Las obras de arte representan pasiones lentas, violentas y exaltadas, con estas representaciones se da gran importancia a los temas heroicos y además se introduce nuevos temas como los temas morales y religiosos. Se caracteriza por su fuerza y su monumentalidad, su movimiento compositivo, su dinamismo, proyectado hacia fuera, en sus composiciones diagonales, su expresividad y su tratamiento de la ropa. Igualmente, el principal material para la escultura será la madera policromada y además se caracteriza por un gran realismo, aunque los principales clientes de los artistas serían las Iglesias y es por eso por lo que predominan los temas religiosos.

La Pintura Barroca

Los artistas del barroco plasma la realidad tal como la ve con sus límites imprecisos, sus formas que salen y entran, los objetos de primer plano intrascendentes, los escorzos y las posturas violentas, las composiciones diagonales que dan a la obra gran dinamismo. Los temas más usados eran los religiosos, escenas de santos, mitológicos, el retrato, tanto el individual como el de grupo, y surge como tema nuevo el bodegón. Por lo tanto, en el arte barroco hay dos estéticas diferentes: el tenebrismo y el eclecticismo.

En el tenebrismo, se da un fenómeno que consiste en el choque violento de la luz contra la sombra, quedando el fondo en penumbra, mientras que la escena queda en primer plano.
El eclecticismo se diferencia porque se trata de salvar el gusto clásico dentro de la nueva norma, siendo una estética decorativa efectista y teatral.

La Arquitectura Barroca

En el arte barroco la arquitectura va frecuentemente unida al urbanismo. Hay diferentes construcciones muy destacadas como el palacio, un típico edificio de vivienda urbana para las familias poderosas; el hotel que era un tipo de vivienda unifamiliar libre y burguesa, rodeada de jardines; el templo que era un lugar del sermón y la eucaristía.

Arte gótico

El arte gótico es un estilo artístico que predominó en la arquitectura religiosa, escultura y pintura de Europa entre el siglo XII y el siglo XV, hasta el surgimiento del movimiento cultural del Renacimiento. Lo precedió el arte románico (siglo XI y XII).
Se considera a la basílica de la abadía real de Saint Denis en Francia como el primer monumento catalogado de estilo gótico. Fue construida a partir del 1140 por Suger, el abad o superior de ese monasterio, considerado el impulsor del arte gótico.

Entre las principales características del arte gótico se destacan:

El principio de la estética de la luz como fundamento de todo arte. Fue capaz de representar la idea teocentrista de la luz de Dios.
Su aplicación en la arquitectura religiosa, como monasterios y catedrales.
El uso del arco ojival que terminaba en forma apuntada y generaba sensación de gran altura. Se aplicaba para las cúpulas, puertas y ventanales.
La aplicación de innovadoras técnicas de arquitectura que permitieron alcanzar el estilo único de techos altos, arcos arbotantes y extensas paredes de vitrales.
El diseño de formas extravagantes aplicadas tanto en la escultura como en la decoración arquitectónica.
La decoración con materiales brillosos y el uso de colores vivos, para exacerbar el concepto de luminosidad.
La aplicación de extensos ventanales de colores que reflejaban diferentes tipos de luz hacia el interior de las catedrales y monasterios.

Arquitectura gótica

El uso del arco ojival permitió distribuir

mejor el peso de los techos.

La arquitectura fue la máxima expresión del arte gótico, estuvo basada en el concepto de la luz como fundamento y símbolo de la divinidad. El arte gótico nació de la idea teocentrista en la que Dios era el centro de la realidad y consideraba que todo lo que conformaba al universo era reflejo de la luz de Dios.

En la arquitectura se sumó, además, el desarrollo de nuevas técnicas sofisticadas para exacerbar el concepto teocentrista, como:

Las bóvedas de crucería.
Los arcos arbotantes.
El arco ojival.
Los vitrales.

Escultura gótica

La escultura gótica se caracterizó por representaciones naturales tal como se percibían en el mundo real, sin aplicar significados simbólicos como sucedía con la arquitectura y el manejo de la luminosidad.
Entre las principales características de la escultura gótica se destacan:

El realismo en las figuras y las posturas corporales que no eran tan erguidas o solemnes como las del arte románico.
La expresión de sentimientos de dolor, ternura, empatía, entre otros, a través del realismo en la expresión de los gestos.
El gran nivel de detalle en las representaciones humanas, tanto del cuerpo como de los accesorios.
El uso como ornamento de la arquitectura gótica en las columnas y los parteluces (columnas que se ubican en la mitad de portones o ventanales).
El uso de técnicas para recrear la profundidad de los objetos y el nivel de los detalles.
La manifestación del arte en los retablos (obras que se ubican detrás de un altar), las miniaturas, los sepulcros y las imágenes de vírgenes y de santos.

Pintura gótica

La pintura gótica fue reconocida como tal a partir del siglo XIV. Se destacó en las obras religiosas para representar a Cristo, los santos, los ángeles y las vírgenes, figuras que se empleaban para decorar las imponentes construcciones arquitectónicas. Se considera a la pintura gótica como una representación de las narraciones de la Biblia y los Evangelios.
Entre las principales características de la pintura gótica se destacan:

Las técnicas de los murales en fresco, la pintura sobre tabla, el temple y el óleo.
La representación de la luz y los juegos de contraluces que generaban la sensación de volumen y realismo.
Las mejoras en las técnicas de la perspectiva.

Fuente: https://www.caracteristicas.co/arte-gotico/#ixzz7KOxJ6sV1

Arte clásico

El arte clásico es el nombre que se le otorga a todas las producciones artísticas que se combinan mediante las distintas influencias de una sociedad como la griega y la romana, con el objetivo de mostrar una visión del artista sobre lo que ve acerca del mundo real o imaginario.

Características del arte clásico

Arquitectura

Griega: templos de piedra caliza y mármol, plazas públicas llamadas ágoras y bibliotecas.

Romana: acueductos, templos de piedra y ladrillo, panteones y circos.

Los griegos comenzaron en el siglo VII a.C. a construir sus propios templos en piedra, con un estilo propio y específico. Los materiales usados eran distintos según la localización, por ejemplo la piedra caliza se utilizaba en el sur de Italia y Sicilia, el mármol en las islas griegas y en Asia Menor y la caliza revestida con mármol en el continente. Más tarde levantaron sus edificios principalmente de mármol.

Pintura

Griega: constancia de la misma mediante fuentes literarias.

Romana: constancia de la misma a través de murales.

El pintor francés Eustache Le Sueur, es representante del clasicismo barroco francés. En la Corte de Francia se había impuesto un arte idealizado, donde la medida, el gusto y refinamiento debía de estar a la altura de los grandes clásicos. Para ello se crean las famosas academias, Le Seuer es uno de sus fundadores, desde allí se impartirían normas de conveniencia en el arte.

Clío, Euterpe y Talía.
Le Sueur 1640 – 1645.
Museo del Louvre París.

Escultura

Griega: resaltan figuras humanas con un canon de belleza, tanto en sentimientos como en medidas.

Romana: inspiración en la escultura de los griegos.

El grupo es una representación escultórica del tema erótico de Leda y Zeus bajo la apariencia de un cisne. Leda, desnuda, es sorprendida mientras alza el manto con el brazo izquierdo para proteger al ave que sujeta con su mano derecha del águila acechante. La figura se apoya en un tronco de árbol colocado a la derecha. La estatua podría ser una reelaboración del grupo atribuido al artista greco Timotheos, del siglo IV a.C., que se difundió a través de numerosas réplicas a partir del siglo I a.C.

lunes, 7 de febrero de 2022

OBRAS DE EDUARDO KINGMAN

Mirada hacia el Sur 1981

Estas manos estan atadas podríamos decir que es el resultado realizado del trabajo forzado y que llaman por una libertad justa.

Fin de Fiesta 1941

Fin de fiesta este es una realidad que todavía persiste en algunas comunidades los esposos por lo general toman hasta emborracharse y se quedan tirados en el camino y las mujeres tienen que esperar hasta que se despierten.

La Hora Obsura 1965

Esta pintura nos demuestra el maltrato al indígena que solía ser con frecuencia en las haciendas, las marcas causadas por el látigo son el recuerdo de un mundo lleno de injusticia. Tránsito Amaguaña en una de sus entrevistas expreso «Los patrones una lástima pegaban a los indígenas desnudos».

Mujeres y Santos

El tema de la religión ha sido muy marcada en nuestro país y muy amenudo se realizan procesiones en honor a algunos santos y el representa en uno de sus cuadros a tres mujeres con rostros tristes, la una lleva una vela con la mano izquierda y la otra lleva un santo en sus brazos.

Los Guandos 1940

Este cuadro representa una de las maneras de transporte de carga que hacían nuestros antepasados desde tiempos inmemorables llamado en nuestro idioma (wandukuna) esto comúnmente se realizaba en la sierra del Ecuador cada cierto tiempo. Pero los conquistadores con su llegada explotaron desmedidamente es por eso que en la pintura se ven hombres que llevan la carga con trostros tristes, cansados y agonizantes que reclaman sus derechos.

Saque de Papas 1939

Este cuadro nos hace ver la vida en el campo la cosecha de papas, una mujer y varios hombres, un bebe envuelto con faja está al lado al fondo está un señor montado en un caballo blanco es el dueño de la hacienda.

OBRAS DE OSWALDO GUAYASAMÍN

Los trabajadores

En esta pintura su creador relata a un grupo de personas que regresan de un largo día de trabajar la tierra. Se puede apreciar que las personas están descalzas, con apenas las herramientas necesarias, lo cual pone de manifiesto las condiciones de precariedad que tenían los campesinos en aquella época para trabajar y que en la actualidad aún está vigente dicha situación. Por otra parte, también se puede apreciar la fortaleza y la solidez de la raza indígena.

Los niños muertos

En este cuadro su autor describe un hecho que marcó su vida. Al respecto se puede decir que con el edad de 13 años Oswaldo Guayasamín vivió el periodo conocido como la “Guerra de los Cuatro Días”, donde uno de sus mejores amigos, Manjarrés murió producto de una bala perdida. Esta muerte sin sentido, dejó una profunda huella en el pintor, lo cual expresó a través de su obra.

Madre y niño

En esta obra se puede apreciar una temática que fue recurrente en la carrera del pintor. En este sentido, el retrato de madres y niños juntos, se transformaría en la representación más grande del amor. En relación a este cuadro en específico se puede decir que ha sido considerado como el precursor de una colección posterior, a la cual el pintor denominaría “Ternura”, que fue dedicada a su madre en particular y a todas las madres en el mundo.

Quito niebla verde

Esta obra representa el profundo amor que sentía Guayasamín por su país, de manera especial por la ciudad donde nació. El primer cuadro que pintó de una serie fue Quito verde, en el año 1948. En esta obra se puede apreciar la importancia que se le brinda al conjunto de montañas que rodean a la ciudad, en especial el Pichincha, el cual representaba para el pintor una especie de animal vivo que cambia de colores acorde a las estaciones del año, verano o invierno, incluso si es el amanecer, medio día o atardecer.

Ataúd blanco

En esta obra el autor retrata la terrible situación en la que una familia debe enterrar a su hijo. En este sentido se puede destacar que constituía una costumbre en épocas anteriores que el entierro de los niños fuera en un ataúd blanco, lo cual era un símbolo de pureza debido a la vida corta que tuvieron. De igual modo los ataúdes eran decorados con pan de oro. No obstante, las familias indígenas al no poseer recursos económicos, realizaban este tipo de entierros con el papel brillante de las cajetillas de cigarros. Fue con esta obra que Oswaldo Guayasamín obtiene el Gran Premio de la III Bienal Hispanoamericana de Arte, en el año 1955.

La Marimba

El autor en esta obra representó la danza y música del pueblo de la provincia de Esmeraldas. Esta comunidad catalogada como afroecuatorianos, danzan al ritmo de los tambores para ahogar sus penas y alegrar el alma.

Las manos de la protesta

En su colección “La Edad de la Ira”, Guayasamín realizó pinturas trascendentales, entre las cuales se destaca la serie “Las Manos”, y dentro de esta serie la pintura referida a “la protesta” resultó ser de vital importancia, debido a que resume la actitud del ser humano frente a la injusticia. En este sentido, la injusticia representa unas manos insaciables de unos pocos, frente a la mayoría de la humanidad que sólo tiene unas manos de mendigo.

Los Mutilados

El tema en el cual el pintor se basó para elaborar esta pintura fue la Guerra Civil española. Acorde a una anécdota, se relata que Oswaldo Guayasamín asistió a un partido de fútbol, al cual también fueron veteranos de la Guerra Civil contra el General Franco. Así mismo, en el momento en el que uno de los equipos lograba hacer un gol, lo visitantes en las tribunas se levantaban a festejar y así se podía apreciar que una parte importante de los asistentes les faltaban algunas extremidades, dígase manos y piernas, secuelas de la guerra. Esta experiencia marcó al pintor ecuatoriano y sirvió como tema de inspiración para realizar esta obra.

Lágrimas de sangre

Este cuadro el pintor lo dedicó de manera especial a tres personajes chilenos hacia los cuales sentía una profunda admiración. Estos personajes eran, Salvador Allende, Víctor Jara y Pablo Neruda, este último era un gran amigo del pintor ecuatoriano. El cuadro constituye una reacción a los acontecimientos que significaron el periodo de la dictadura militar de Augusto Pinochet en Chile.

El guitarrista

En esta obra el pintor resume el dolor permanente y el sufrimiento de los pueblos gitanos, que transitan como nómadas por el mundo. Por medio de este cuadro, se persigue exteriorizar con el canto un poder desgarrador lleno de lamentaciones. De igual modo, se puede interpretar la presencia de un ritmo flamenco que nace del pecho del músico gitano y que al salir al entorno que lo rodea evidencia tragedia y dolor.

Obras del arte mestizo

Museo Miguel de Santiago

Una de las piezas más sorprendentes del museo es el magnífico Cristo Yacente del siglo XVII, perteneciente a las escuelas de Castilla de España, y que fue obsequiado por la Madre Patria al convento. La figura de Cristo está rodeada por cuatro candelabros de la muerte en los que la jerarquía política-religiosa de la época está representada en forma de calaveras.

Calvario

Es una de las capillas que forma parte del convento e iglesia de San Francisco. El retablo del altar mayor junto con el púlpito constituye el elemento decorativo más interesante del espacio. Atribuido a Bernardo de Legarda, su elaboración estaría relacionada al enorme prestigio alcanzado por la Cofradía de la Virgen de los Dolores en la segunda mitad del siglo XVIII.

Virgen inmaculada de Quito

La Virgen de Quito, popularmente conocida como Virgen del Panecillo, es uno de los monumentos más emblemáticos de la capital ecuatoriana, que con sus 30 metros de alto (sin contar la base, con la que alcanza 41m) es considerada la estructura de aluminio más alta del mundo y ocupa el lugar #58 entre las estatuas más altas del planeta, incluso por sobre el Cristo Redentor de Río de Janeiro.

El cristo de la agonia

Esta obra y muchas más de este famoso pintor de la época colonial son reales y se encuentran en su mayoría en el museo de la iglesia de San Francisco (Quito) y en el resto de los museos de la ciudad de Quito. Cuenta la historia que Miguel de Santiago un famoso pintor indio de la escuela Quiteña hizo pintar a Jesús en Agonía hasta que cierto día hizo desnudar a uno de sus alumnos y lo crucificó. Mientras pintaba le preguntó al alumno sufres, y él le respondió no, cuando segado de ira lo atravesó con una lanza y continuo con el cuadro, olvidando por completo el dolor del que agonizaba mientras se decía Bien Miguel, maravilloso maestro

Principales obras indígenas

Oswaldo Guayasamín

Oswaldo Guayasamín (Quito, 6 de julio de 1919 - Baltimore, 10 de marzo de 1999) fue un destacado pintor, dibujante, escultor, grafista y muralista ecuatoriano. El padre de Oswaldo era un indígena de origen quechua y su madre Dolores Calero era mestiza. Su padre José Miguel Guayasamín trabajaba como carpintero y, más tarde, como taxista y camionero. Oswaldo fue el primero de diez hijos. Su actitud artística despierta a temprana edad. Antes de los ocho años, hace caricaturas de los maestros y compañeros de la escuela. Todas las semanas renueva los anuncios de la tienda abierta por su madre.

Víctor Mideros

Destacado pintor nacido en San Antonio de Ibarra el 28 de marzo de 1888, hijo del señor Federico Mideros y de la señora Carmen Almeida.
Inti Raimi de Víctor Mideros: En esta pintura, se muestra como se ofrece el trabajo del campo al sol. Ahí, una mujer indígena ofrece además, la bebida, pues se puede ver los cántaros. Es interesante la brillosidad que muestra la escena.

Egas Camilo

Pintor quiteño nacido en 1889. Perteneció, junto a Pedro León, Manuel Rendón, Víctor Mideros, Antonio Bellolio y otros artistas, a la llamada generación precursora, que empezó a imponer su arte a partir de 1915. Los Sahumeriantes y Sanjuanito; en las que ya se pudo apreciar su tendencia a expresarse a través de motivos indígenas y mestizos, marcando de alguna manera el inicio de una corriente que durante muchos años identificaría a la pintura ecuatoriana.

Eduardo Kingman el pintor de las manos.

Kingman supo encontrar en las manos, toda la simbolización de los más variados sentimientos humanos: angustia, ternura, piedad, ira, impotencia e injusticia. Esta pintura nos muestra el maltrato que con frecuencia se daba con los trabajadores de las haciendas españolas, marcas causadas por latigazos son el recuerdo de un mundo lleno de injusticia.

Diógenes Paredes

Diógenes Paredes Nació el 5 de mayo de 1910 en Tulcán, al norte del Ecuador. A los 5 años su madre muere víctima de la tifoidea, Diógenes Paredes se traslada a vivir con su padre en Quito.
Curiquingue es un ave sagrada que contiene gran simbolismo en la mitología andina. Los hombres pájaro vestidos de colores son personajes que forman parte de las fiestas religiosas tradicionales y culturales.

Arte indígenas y mestizos del Ecuador

Arte mestizo, término empleado por algunos historiadores del arte realizado en la América hispana durante el período colonial, para denominar las obras en las que es evidente una interpretación local del arte europeo a partir de elementos decorativos o estructurales propios del mundo indígena.

La Escuela Quiteña, es la denominación que se le ha dado a un conjunto de manifestaciones artísticas. Dicho movimiento se desarrolló en la Real Audiencia de Quito, específicamente en la época colonial (1542-1824). La fama de este movimiento llegó incluso a Europa, donde monarcas como el Rey Carlos III, llegó a expresar lo siguiente: “no me preocupa que Italia tenga a Miguel Ángel, en mis colonias de América yo tengo a Caspicara”. Las artes plásticas en esta escuela tuvieron un gran auge, que aún en la actualidad quedan vestigios importantes, en las pinturas, esculturas, y en la arquitectura.

Principales representantes de la Escuela Quiteña:

Miguel de Santiago

Este pintor nació en la Real Audiencia de Quito y fue un fiel exponente de la Escuela Quiteña en el Siglo XVII. El artista fue nieto de indios e hijo de mestizos, quedó huérfano de padres a temprana edad. Con la edad de 20 años abrió su propio taller, y su primer trabajo fue ordenado por el padre Basilio de Rivera del convento de San Agustín, quien encargó una serie de 14 cuadros cuyo tema sería la vida del santo obispo de Hipona.

Nicolás Javier de Goríbar

Este artista conocido popularmente como Goríbar, perteneció a la Escuela Quiteña de artes entre finales del Siglo XVII y principios del Siglo XVIII. Este pintor fue discípulo de otro afamado artista perteneciente a dicha escuela, Miguel de Santiago. En el caso de Goríbar este fue conocido por su obra desarrollada entre la orden de los Jesuitas y el monasterio de Guápulo.

Bernardo de Legarda

Fue un escultor, pintor, tallador y platero ecuatoriano que vivió en el Siglo XVIII y perteneció a la Escuela Quiteña de artes y oficios. A pesar de haber pertenecido a una familia mestiza de bajas posibilidades económicas, pudo ingresar a la Escuela Quiteña, a consecuencia de los grandes esfuerzos realizados por su padre. Posteriormente tras el abandono de su esposa se concentró en su trabajo en un taller que poseía cercano a la Iglesia de San Francisco.

Manuel Chili, nombre artístico Caspicara

Este artista, constituyó un afamado escultor y tallador indígena que perteneció a la Escuela Quiteña de arte, específicamente en el Siglo XVIII. De cuya escuela llegó a ser uno de sus máximos representantes. El nombre artístico de este escultor “Caspicara”, significa cara de madera o cara de palo. Ello ha influido en suponer que se trataba de un hombre de rostro cobrizo y piel tersa similar a la madera tallada. Hay que agregar que no existen retratos sobre este artista que permitan determinar su físico con certeza.

Manuel de Samaniego

Este artista ecuatoriano se destacó en la pintura y la escultura, y fue considerado uno de los últimos representantes de la Escuela Quiteña de arte. El trabajo de este pintor ecuatoriano se dividió entre los periodos históricos de finales de la dominación española en la Real Audiencia de Quito y los inicios de la vida republicana e independiente como parte de la Gran Colombia.

domingo, 6 de febrero de 2022

HISTORIA DEL ARTE

Arte prehistórico

Pinturas rupestres

Las cuevas de Altamira están cubiertas por pinturas rupestres paleolíticas.

Ubicadas en España y provenientes de distintas ocupaciones humanas de las cuevas durante el Paleolítico Superior, muestran una serie de signos e ilustraciones de animales, como bueyes o antílopes, así como restos de piedras empleadas para moler el pigmento con que se trazaron en las paredes y los techos.

Arquitectura rupestre

La Venus de Willendorf.

Fue tallada en piedra en algún momento del Paleolítico, entre el 28.000 a 25.000 a. C. Esta figurina de piedra hallada en 1908 en Willendorf, Austria, representa a una mujer desnuda, de senos y sexo notorios y abultados, tallada en piedra caliza y pintada con ocre rojo.

ARTE DE LA EDAD ANTIGUA

Arquitectura Egipcia y Persa

La arquitectura egipcia es fundamental porque a ella se vinculan la escultura y la pintura.

La arquitectura persa utilizaba diferentes materiales para la elaboración de sus construcciones. Los principales eran:

Madera

Ladrillo

Piedra

Mármol (destinado a las edificaciones principales)

Pintura Egipcia y Persa

La aplicación de la pintura en la cultura egipcia, se realizaba pintando los contornos de las figuras en ocre o rojo, y coloreando el fondo en amarillo o blanco, luego se cubría la superficie de los personajes con colores vivos, pero planos sin mezclas ni sombras.

El arte persa en la antigüedad reflejaba su inclinación a representar la realidad de sus vidas y su historia con claridad; sin complicaciones en los mensajes que las obras de arte pretendían transmitir. En el Gran Irán que corresponde a los estados actuales de:

Irán
Afganistán
Tayikistán
Azerbaiyán
Uzbekistán

ARTE DE LA EDAD MEDIA

La Edad Media es una época de la historia caracterizada por el inicio del dominio de la Iglesia Católica sobre todos los aspectos de la vida. Esto se refleja enormemente en la producción artística de este periodo esta financiada y encargada por la Iglesia. Dos corrientes artísticas surgen principalmente, el arte Románico y el arte Gótico, en este bloque vamos a repasar las principales características de ambos, tanto en pintura y escultura como en arquitectura.

Arte Románico

El arte románico se refiere al arte en Europa desde finales del siglo X hasta el ascenso del arte gótico en el siglo XIII. El término románico, fue acuñado por los historiadores del siglo XiX debido a que sobre todo la arquitectura, mantenía características básicas similares con la arquitectura romana.

Pintura Románica

La pintura románica tiene un amplio desarrollo dado que va ligado de la arquitectura. Los edificios románicos se caracterizan por disponer de amplias paredes o murales apropiados para la decoración pictórica. La pintura era un arte subordinado a la arquitectura. La necesidad de obtener una rápida impresión religiosa en el visitante a la iglesia tan pronto como entran en el edificio, hizo que el uso de la pintura fuera un recurso valioso

Escultura Románica

La escultura románica está, de igual modo que la pintura, subordinada a la arquitectura, que determina las zonas o espacios que deben de ser recubiertos con relieves o estatuas. Los lugares donde más esculturas podemos encontrar son las entradas o pórticos de las iglesias y los capiteles de las columnas o pilares.

Arquitectura Románica

La arquitectura es la rama artística más desarrollada del arte románico, esto es debido a que el románico es un arte que surge de la iglesia católica cristiana. Los encargos que esta realiza son en su mayoría templos, iglesias o monasterios.

Arte Gótico

El término de estilo gótico se refiere a la corriente artística desarrollada en Europa durante la baja edad media entre el arte románico y los primeros compases del Renacimiento.

Pintura Gótica

El arte gótico comienza en el año 1137 en Francia con la construcción de la iglesia de la abadía de Saint Denis. Desde entonces comienza a expandirse por toda Europa y para 1250 ya se ha convertido en la corriente artística predominante en Europa.

Escultura Gótica

Del mismo modo que durante el periodo románico, los mejores escultores de la corriente artística gótica se emplearon en la decoración de obras arquitectónicas, sobretodo las fachadas de las catedrales.

Arquitectura Gótica

La arquitectura es la rama artística que más destacó en el arte de la Edad Media, tanto durante el periodo de arte románico como durante la etapa de arte gótico. En ambos casos, a pesar de las diferencias constructivas, los encargos principales los hacía la Iglesia Católica que por aquel entonces dominaba toda Europa.

sábado, 12 de febrero de 2022